Selección de videos realizados en el EDI de Fotografía y Cine y en el Taller de video. Coordinación: Raquel Blackie.

• Gringo. Ficción, 2005, 7′. Un joven intenta robarle dinero a una chica que sale de un cajero automático, el robo fracasa y él toma una decisión.
• Mi música. Documental, 2007, 7’30”. Entrevistas a tres jóvenes que reflexionan sobre sus gustos musicales, la relación con los demás, su propia identidad.

Videominutos realizados en 2006 sobre los derechos de los jóvenes, en el marco del proyecto nacional “Un minuto por mis derechos” (UNICEF). Coordinación: Raquel Blackie

• DNI. Ficción, 2006, 1′. Un joven entra a la escuela y percibe que algo lo diferencia de los demás, las miradas le indican que debe ser igual a los otros.
• Educación sexual. Ficción, 2006, 1′. Dos chicas conversan sobre lo que parece ser el embarazo de una de ellas.
• Vos también. Animación, 2006, 1′. Animación de formas de plastilina sobre la identidad.

Organización Grupo de Teatro (Santa Fe). Coordinación: Javier Bonatti

• Dondever. Ficción, 2010, 11’24’’. Un joven en el barrio parece tener la aptitud de ver aquello que la mayoría ignora.

Escuela Nuestra señora de Guadalupe Nº 28 ( Paraná). Realización: alumnos de 3º año polimodal, división A.

• Querer no es amar. Historia de amores peligrosos. 2010, Ficción, 19’. Una joven sufre el maltrato de su esposo y en un momento toma una decisión.

Escuela Juan Mantovani (Santa Fe). Taller de animación del Trayecto técnico profesional. 4º año. Año 2008. Coordinación: Claudia Ruiz

• Animal print. Experimental, 1:38’. Un leopardo sufre las consecuencias de la “pérdida” de su piel y lo resuelve de un modo sorprendente…
• Silencio en la noche. Experimental, 4’ . Las vivencias de una niña de la inundación de la ciudad de Santa fe ocurrida en el año 2003. Animación realizada a partir de un dibujo y testimonios de una niña de 5 años.

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Children Loose Nothing. Sharunas Bartas (Lituania). Entrevista al director y más info en este enlace. Película donde se incluye este corto, en este otro enlace. Artículo sobre esta película, click acá.

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El patio. Milagros Mumenthaler (Argentina). Ficha técnica en este enlace. Noticia sobre la directora aca. Más datos de la directora en esta página.

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Verano. Milton Secchi (Argentina). Blog del cortometraje en este enlace. Ficha técnica en este otro enlace.

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Esnorquel. Maximiliano Schonfeld (Argentina). Notas sobre el corto y su realizador en este enlace.
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El miracle. Martin Sulik (Polonia).

Título original: Chun gwong cha sit – Happy Together
Dirección y Guión: Wong Kar-Wai
Producción: Wong Kar-Wai y Chan Ye Cheng
Duración: 94 min
Nacionalidad: Hong Kong
Año: 1997
Música: Danny Chung
Fotografía: Christopher Doyle
Montaje: William Chang y Wong Ming Lam
Reparto: Leslie Cheung, Tony Leung, Chang Chen, Gregory Dayton

Encuentro-desencuentro amoroso, lejos de la tierra natal. Dos jóvenes chinos cantoneses vienen al país del tango y atraviesan la crisis de su relación según las pautas y arquetipos de la canción rioplatense, contundentemente renovadas por Wong Kar Wai.

Los personajes se buscan y se pierden en el laberinto urbano, paisaje tan superpoblado como inhóspito…Pero lo singular de Happy together es el tratamiento que da Wong Kar a esa experiencia amorosa; no deja dudas a nuestra percepción de que es así como se la padece en estos tiempos. La cámara se mueve casi como vivimos, chocando inevitablemente e indistintamente contra superficies metálicas o personas; miles de reflejos y proyecciones del entorno crean una nueva imagen “real”. Y así como se hace difícil tocarse efectivamente y por un tiempo prolongado, se muestra natural la fragmentación constante de cada situación en cortos planos que saltan deliberadamente de eje…o buscan uno: un personaje que se integre al fin, un suceso o pareja que lo complete, o la constatación de una soledad irreparable.

Revista El Eclipse. Ruben Plataneo

Título original: Mononoke-hime
Dirección y guión: Hayao Miyazaki
Producción: Toshio Suzuki
Duración: 134 min
Nacionalidad: Japón
Año: 1997
Música: Joe Hisaishi
Fotografía: Atsushi Okui
Montaje: Hayao Miyazaki y Takeshi Seyama
Reparto: Yôji Matsuda, Yuriko Ishida, Yûko Tanaka, Kaoru Kobayashi, Masahiko Nishimura, Tsunehiko Kamijô, Sumi Shimamoto, Tetsu Watanabe, Mitsuru Satô, Akira Nagoya

Película de animación japonesa de Hayao Miyazaki. Ambientada en el Japón medieval, se centra en la lucha entre los guardianes sobrenaturales de un bosque y los humanos que necesitan sus recursos, visto por el forastero Ashitaka. “Mononoke” no es un nombre, sino una descripción que puede ser traducida en este contexto como “espíritu vengador”

El mundo se muere, condenado por el odio y el furor de los sueños estériles que nacieron en él… La Dama Eboshi, líder de la ciudad de Tatara Ba, recupera la dignidad de los parias. Ofrece a su pueblo de leprosos, prostitutas y esclavos, un trabajo decente, una vida honorable.

Para subsistir vende armas al emperador, saqueando el bosque cercano para alimentar el fuego de su herrería. Por supuesto, los ancianos Dioses protegen el reino de la Dama Naturaleza, desencadenando océanos de rabia para aniquilar a los humanos. En cuanto a las tropas del imperio, conspiran para aumentar su poder, acariciando la vana esperanza de sustraer los secretos de las divinidades. Y, en el corazón del conflicto, Ashitaka el maldito y San, la princesa monstruo se aman. Pero deberán elegir un bando…

Título Original: L’enfant
Dirección y guión: Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne
Países: Bélgica y Francia
Año: 2005
Duración: 100 min
Género: Drama
Reparto: Jérémie Renier (Bruno), Déborah François (Sonia), Jérémie Segard (Steve), Fabrizio Rongione (Matón joven), Olivier Gourmet (Oficial), Mireille Bailly (Madre de Bruno), Samuel De Ryck (Thomas), Sophia Leboutte (Inspectora), Frédéric Bodson (Matón mayor), Léon Michaux (Policía)
Producción: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne y Denis Freyd
Fotografía: Alain Marcoen
Montaje: Marie-Hélène Dozo
Diseño de producción: Igor Gabriel
Vestuario: Monic Parelle

“Elegimos a los desheredados porque no son visibles. Nos gustan esos personajes y los seguimos desde el afecto. Si fueran visibles lo serían vistos para reírse de ellos, o con piedad, en el típico programa del domingo por la tarde en televisión. Nadie los mira de una manera real, nadie ve sus sueños, su amor, y por eso nos gusta hablar de ellos“. En estos términos se expresan lo hermanos Dardenne… En El niño, esos desheredados son Bruno y Sonia (Jéremie Renier y Déborah François, dos actores desconocidos que, viendo su estremecedora recreación, perfectamente podrían haber vivido experiencias similares a las de sus personajes), dos postadolescentes que (mal)viven de los robos y trapicheos del primero y que acaban de tener un hijo. La película arranca en el momento en que Sonia sale del hospital tras dar a luz y va en busca de Bruno para presentarle a su hijo. La búsqueda de un lugar en su mundo para el recién llegado, el desconcierto, la ternura, el amor que siente por Sonia (demostrado de forma muy personal pero innegable), los gestos, los impulsos, el instinto de supervivencia, su propia naturaleza, configuran un collage de sentimientos contradictorios que llevan a Bruno a ciertas situaciones límite ante las que toma soluciones drásticas; soluciones que pueden parecer moralmente despreciables, pero ante las que los Dardenne no se permiten el lujo de juzgar a su personaje…

A nivel formal, con respecto a sus películas anteriores, en El niño la cámara se ha estabilizado levemente y se ha alejado del cogote de los personajes, permitiéndoles respirar, expresar y vivir sus vidas con cierta libertad, y evitando el juicio sumarísimo que supone una cámara escrutadora. Todo ello sin abandonar la intensidad emocional de una febril cámara al hombro ante la que se componen frescos sociales de una fisicidad desgarradora.

Carlos Balbuena

Dirección y Guión: Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne
Producción: Les Films du Fleuve
Duración: 95 min
Nacionalidad: Francia / Bélgica
Año de Producción: 1999
Reparto: Émilie Dequenne (Rosetta), Fabrizio Rongione (Riquet), Anne Yernaux (la madre), Olivier Gourmet (el jefe), Bernard Marbaix (el administrador del camping), Frédéric Bodson (el jefe de personal), Florian Delain (el hijo del jefe), Christiane Dorval (la primera vendedora), Mireille Bailly (la segunda vendedora), Thomas Gollas (el novio de la madre)

Este film cuenta la historia de una adolescente de 17 años perteneciente a la clase trabajadora que intenta trabajar para mantener a ella y a su madre, una alcohólica compulsiva. El relato se circunscribe a mostrar la cotidianidad de Rosetta (Emilie Dequenne) dividida entre rituales de supervivencia y su rutinaria búsqueda de empleo. Puede ser la experiencia de cualquier púber del gran Buenos Aires, aunque el film transcurre en Seraing, una ciudad de Bélgica que supo ser industrial.

Diríase que los Dardenne postulan un nuevo universo laboral al que consideran una zona de guerra: conseguir un empleo es participar en un combate. Si en la opera Three Penny Brecht decía que el pan viene antes de la moral aquí la sentencia adquiere una materialidad opresiva. Tal sensación es conquistada por una construcción formal subordinada al relato. La cámara persigue a Rosetta como si esta fuera un soldado en el frente: planos secuencia, cámara en mano, nada de música extradiegética. El sentido de urgencia se materializa en la respiración del combatiente, acaso el efecto sonoro más contundente del cine de los hermanos Dardenne. La cámara sólo se aquieta cuando Rosetta consigue un empleo y un amigo. Pero en la guerra la quietud es una pausa en la disputa…

Roger Alan Koza

Realizado en video para la televisión, la hora de metraje del film de Marker comienza contando la historia de la aparición de los dibujos de estos enormes gatos sonrientes en las terrazas de París, herederos del gato de Alicia, luego de septiembre de 2001, fecha marcada por el atentado contra el World Trade Center de Nueva York. Realizado con una camarita casera en video, el poético y zumbón trabajo está acompañado por placas de texto, al estilo del cine mudo, que hacen las veces de relato cómplice en primera persona. A partir de los gatos, Marker recorre calles que se llenan de manifestaciones, paredes llenas de carteles de campañas políticas, e incluso reflexiona sobre la guerra de Irak y hasta el mundial de fútbol. “La película se fue construyendo de sorpresa en sorpresa, siguiendo la pista de los gatos sonrientes, un mensaje de benevolencia pintado por alguien que corría el riesgo de romperse la columna sólo para hacer flotar un mensaje de benevolencia sobre esta ciudad que tanto lo necesita”, confesó Marker. El resultado es una extraña street movie, un paseo por los últimos años de una ciudad bajo una mirada reflexiva y abarcadora, combativa y confesional, y capaz de generar en el espectador una sonrisa tan cómplice y generosa como la de su gato protagonista.

La historia se sitúa en el futuro, 1000 años tras los “Siete Días de Fuego”, un suceso provocado por la excesiva industrialización del ser humano, y la contaminación que provocó. Este hecho destruyó por completo la civilización industrial un milenio después de que empezara a florecer. Aunque la humanidad sobrevivió, la tierra recibió una gran contaminación, y los mares son venenosos. Gran parte del mundo está cubierta por la Jungla tóxica, un bosque ciclópeo de plantas con esporas y hongos que cada vez cubre más parte de la tierra libre. Está protegido por una legión de insectos gigantes, entre los que destacan los Ohmu. La humanidad lucha por sobrevivir en los terrenos libres de la selva, periódicamente enzarzándose en conflictos armados por los recursos naturales, que van reduciendo su número, mientras la vegetación avanza, convirtiendo en inhabitable los terrenos que ocupa

Nausicaä toma su nombre de un personaje de la Odisea, y su origen, en una leyenda japonesa que versa sobre una joven que amaba a los insectos. La suma de ambos personajes, construyen a una adolescente inquieta y desprendida, intrépida y decidida, incapaz de descuidar un destino que debe guiarla a la salvación de un planeta devastado y yermo. Sin embargo, Miyazaki no pretende mitificar a su heroína sino humanizarla: su destino a ratos la sobrepasa.

Este filme es un alegato en contra de la naturalización de las leyes del consumo, contra la naturalización de las reglas del mercado. En esta película Farocki se interesa por el uso de la tecnología electrónica y computacional que son capaces de predecir las pautas de circulación, los movimientos, los gestos corporales, de los consumidores dentro de un Mall, o un shopping, por utilizar un término más popular entre nosotros. El diseño de los espacios, los lugares que recorremos, ya no están supeditados a nuestro confort, bienestar y complacencia corporal, sino a nuestras posibilidades de consumo, al hecho de hacer de nosotros, sujetos consumidores.

En el seno de una acomodada familia de clase media-alta vive Benny un adolescente que se nos presenta tan normal como otro cualquiera. Benny no tiene hermanos, y sus padres le han permitido todo tipo de concesiones materiales: en su enorme cuarto, Benny tiene a su disposición, entre otras cosas, un equipo de sonido en el que escucha su música rock, además de un equipo de grabación y reproducción de vídeo. En una de sus salidas al video club conoce a una joven y la invita a su casa…todo el film discurrirá alrededor de lo ocurrido en el cuarto de Benny, entre él y la joven.

El discurso sobre la representación y/o el consumo de la violencia es evidente. Violencia cinematográfica (Haneke incluye imágenes de una película norteamericana y les quita el sonido para dejar al descubierto la desmesurada violencia que contienen) y violencia real, filmada: todo lo que ocurre en el cuarto es registrado por cámaras de Benny, y nosotros vemos por esos ojos. El fuera de campo se convierte aquí no sólo en una cuestión de estilo, sino en una cuestión de constatación de la inmoralidad mediante la sugerencia de lo que está pasando, y también del hecho de que lo que está ocurriendo está pasando “de verdad”, y no hay modo de huir de ello. Mas la película ofrece múltiples (inabarcables) capas y lecturas, y su análisis también incluye una implacable disección de la institución familiar y su descomposición. El fuera de campo se convierte aquí no sólo en una cuestión de estilo, sino en una cuestión de constatación de la inmoralidad.